Histoire d’être incollable sur le sujet.
Le nouveau romantique de la mode: Paolo Carzana
Paolo Carzana n’aime pas les titres de collection succincts. Ses œuvres précédentes incluent des noms évocateurs comme My Heart Is a River for You to Bend et Imagine We Could Be the Ones to Change It All. Né au Pays de Galles et basé à Londres, Paolo Carzana s’inscrit dans la lignée des conteurs britanniques excentriques tels que Vivienne Westwood et Alexander McQueen. Actuellement artiste en résidence à la Fondation McQueen’s Sarabande, il utilise des colorants végétaux et des matériaux recyclés pour créer des récits captivants avec ses vêtements.
Pour l’automne 2024, sa collection « Melanchronic Mountain » s’inspire de l’idée d’un voyage ascendant. Les mannequins défilent en couches plissées et délavées, coiffés de couvre-chefs élaborés en collaboration avec Nasir Mazhar. Son approche unique et poétique de la mode lui a récemment valu une place parmi les finalistes du prestigieux LVMH Prize.
La nouvelle star de la mode américaine: Colleen Allen
Les sorcières ont longtemps inspiré les artistes américains, d’Arthur Miller à John Updike. Désormais, vous pouvez ajouter à cette liste Colleen Allen. Sa première collection féminine pour l’automne 2024 s’inspire de la sorcellerie féminine, tout en évitant les clichés permettant d’offrir un mélange unique de motifs victoriens et d’éléments modernes proches du gorpcore, comme le Polartec.
« J’ai pensé à ma propre féminité et à la façon dont je m’identifiais au fait d’être une femme », explique Colleen Allen. « C’est quelque chose que je n’avais pas vraiment exploré jusqu’à présent ; cette collection marque le début de cette réflexion. » Pour cela, la designer a choisi une palette puissante d’orange (dont elle est « obsédée »), de rouge, de magenta et de violet, contrastant avec le blanc antique. L’influence victorienne provient de sa collection personnelle de pièces de cette époque, où la délicatesse des bloomers contraste avec ce que Colleen Allen appelle « ces grands vêtements extravertis et rituels », comme un manteau d’opéra en velours digne de Tilda Swinton.
Le minimalisme sportswear de la collection trouve ses racines dans l’expérience de la styliste chez Calvin Klein sous Raf Simons, où elle a effectué un stage après avoir obtenu son diplôme de Central Saint Martins. Elle a également affiné son souci du détail chez The Row, marque de Mary-Kate et Ashley Olsen, où elle a été créatrice de vêtements pour hommes de 2021 à 2023. « The Row travaille avec les plus beaux matériaux du monde. Cela m’a appris à apprécier le tissu et à apporter une attention méticuleuse aux détails. Ils n’ont pas peur de faire les choses de la meilleure façon possible », dit-elle. « Une fois que vous commencez à travailler ainsi, vous ne pouvez plus revenir en arrière. Cela m’a vraiment fait réfléchir à la sélection des matériaux et à la finition intérieure des vêtements. »
Certaines de ses dernières pièces sont volontairement laissées inachevées, doublées de mousseline lavée, habituellement utilisée pour dessiner des vêtements plutôt que pour les pièces finales. « J’adore sa douceur et son côté terreux », déclare Colleen Allen. « J’ai horreur des vêtements pour femmes qui deviennent trop précieux et impossibles à porter. » Mais, note-t-elle, les manches sont doublées de soie. « Vous ressentez donc toujours cette sensation de luxe. »
La nouvelle génie de la couture: Tolu Coker
Ce sont les vides-greniers qui l’ont introduit au monde de la couture. Ayant grandi à Londres, Tolu Coker et sa famille les fréquentaient régulièrement. Ses parents, immigrés du Nigéria, ont dû faire preuve de beaucoup de ressources. « En termes de statut socio-économique, nous avons dû faire preuve de beaucoup de ressources », raconte-t-elle. Cette expérience lui a aussi donné un aperçu précoce de la durabilité et de la réutilisation créative. « Ce n’était pas tant à cause d’une profonde passion, au départ, pour l’environnement », confie-t-elle. « C’est exactement comme ça que j’ai grandi. »
Diplômée de Central Saint Martins, Tolu Coker a lancé sa propre ligne et a commencé à défiler à la Fashion Week de Londres l’année dernière. Sa collection automne 2024 s’inspire d’un voyage au Ghana, où elle a observé des vendeurs ambulants locaux. Sa mère avait fait du colportage dans les rues de Lagos, et le designer note que de nombreux colporteurs « vivent toujours bien en dessous du seuil de pauvreté. Cela a créé du commerce, mais c’est presque comme si tout le monde en bénéficiait sauf eux. » Elle a également constaté l’énorme quantité de déchets textiles provenant des pays industrialisés qui, selon elle, « tapissent littéralement les rues. Au départ, j’ai pensé que c’était une sorte de paysage. Je n’ai réalisé qu’il s’agissait de vêtements que lorsque nous nous sommes rapprochés. »
Pour son défilé, elle a recréé cette scène avec un décor comprenant des chariots de nourriture et des pneus sur le podium. « Je pense toujours que la Fashion Week consiste essentiellement à se faire remettre un micro », confie-t-elle. Elle voulait « rendre hommage aux colporteurs, à la ténacité et à l’innovation totales qui sont nées de la nécessité de survivre, mais aussi simplement pouvoir raconter cette histoire avec dignité, parce que je pense que souvent, dans les pays du Nord, nous avons un peu le complexe du sauveur lorsque nous parlons du Sud mondial, et c’est un peu comme: ‘Nous ne sauvons personne. Nous avons créé le problème.’ »
La collection s’inspire de la manière dont les vêtements occidentaux sont réutilisés et recontextualisés en Afrique. « J’ai remarqué des choses comme des gens qui portent un très beau costume ajusté, mais ils ont un maillot de football en dessous qui porte l’inscription Manchester United », raconte-t-elle. Les mannequins ont superposé plusieurs sacs et chapeaux, à l’image des colporteurs. Mais ce qui ressort surtout, c’est la couture précise, devenue sa marque de fabrique. « Au Nigeria, il est très courant que des personnes de tous horizons aient un article spécialement conçu pour elles, qui sera conservé et porté jusqu’à sa mort, puis remis en état, car il existe un tel lien entre les vêtements et le processus d’acquisition », explique Tolu Coker. Pour elle, cette relation durable avec un vêtement est la définition même du luxe.
Ses créations tissent également un lien avec la diaspora, car elle travaille avec des artisans âgés de 60 à 70 ans, dont certains font partie de la communauté de sa famille. « Beaucoup de mes amis trouvent ça bizarre: ‘Si tu aimes tricoter, c’est un truc de vieux’. Eh bien, non, c’est humain », rétorque-t-elle. « J’apprends tellement des artisans. »
Le nouvel avant-gardiste: Duran Lantink
De Beyoncé à Billie Eilish, en passant par les pages de ELLE, Duran Lantink est omniprésent en ce moment. Finaliste du LVMH Prize en 2024, le créateur néerlandais se distingue par ses mélanges audacieux de vêtements de luxe recyclés, comme des pièces Louis Vuitton mélangées à des sacs de courses Gucci. Pionnier de l’upcycling bien avant que ce concept ne devienne à la mode, il a rencontré des résistances dès ses études d’art. « Ils n’ont vraiment pas apprécié que j’utilise des pièces existantes », se souvient-il. « J’ai dû me battre pendant quatre ans pour qu’ils comprennent. »
Aujourd’hui, Duran Lantink utilise principalement ses propres tissus et des cotons recyclés. Pour sa collection automne, il a déconstruit les vêtements de ski traditionnels. Ce qui aurait pu sembler « banal et ringard », selon ses termes, a été transformé en quelque chose d’extraordinaire sous ses mains habiles. En revisitant les motifs Fair Isle, les bottes duveteuses et les parkas avec un rembourrage en mousse exagéré devenu l’une de ses signatures, il démontre son mépris pour ce qui est simplement commercial. « Je m’en fiche de ce qui est considéré comme commercial », admet-il avec un sourire, portant une casquette de baseball des services d’immigration britanniques en rentrant dans son atelier à Amsterdam. Pour lui, la beauté pure ne suffit pas ; ce qui le fait vibrer, ce sont les créations qui défient les conventions et racontent une histoire.
Le retour des défilés immersifs: de The Row à Maison Margiela
Sommes-nous donc tous lassés des réseaux sociaux? À The Row la saison dernière, les invités ont été priés de ranger leurs téléphones et d’utiliser des carnets et des crayons fournis par les soeurs Olsen, rappelant ainsi le quotidien des journalistes de mode d’autrefois. Bien que cette initiative ait peut-être suscité plus d’attention sur les réseaux sociaux (les participants ont montré leurs outils analogiques après le défilé), elle témoignait aussi de la fatigue de l’industrie de la mode vis-à-vis des événements conçus principalement pour les petits écrans.
Cette saison, le spectacle en personne a fait un retour triomphal, avec des défilés de véritables événements où la production était élaborée et digne de Broadway. La sortie haute couture inspirée par Brassaï de la Maison Margiela sous le pont Alexandre III à Paris en a donné le ton, avec son esprit théâtral rappelant les défilés maximalistes des années 1980 et 1990. Pour l’automne 2024, le décor chaotique de Balenciaga a continué de rafraîchir, tandis que Chanel s’est imprégné du film de Claude Lelouch, Un homme et une femme, avec des images de la célèbre plage de Deauville en arrière-plan. Chez Courrèges, le directeur artistique Nicolas Di Felice a créé la surprise avec une sculpture en lycra et polystyrène qui semblait respirer comme un être vivant. Réalisée en collaboration avec le scénographe Rémy Brière, cette structure de près de 10 mètres de diamètre a nécessité huit jours de construction. « Plutôt qu’un spectacle conçu pour TikTok, je voulais créer une émotion palpable », explique Nicolas Di Felice. Le thème de la collection, « À la recherche d’un frisson », a trouvé son expression dans ce décor innovant, offrant un moment inoubliable en personne, aux côtés d’autres spectateurs vivants et respirants. « Mon intention était d’explorer la sensualité, la sexualité et l’intimité, en reconnectant avec les émotions », ajoute-t-il. « Quand [le décor] a commencé à bouger, cela a vraiment créé une émotion, accumulant des frissons dans toute la scène environnante. »
La passion pour les pièces d’archive
Autrefois embarrassé de fouiller dans les rayons de Goodwill pour une robe de bal abordable, Alexis Novak a transformé cette chasse en expérience de luxe organisée en fondant Tab Vintage, une boutique en ligne spécialisée dans les vêtements vintage rares. En exploitant les innombrables archives en ligne et en utilisant des plateformes comme Instagram, Tab Vintage et Shrimpton Couture contextualisent les pièces vendues avec des photos de célébrités comme Kate Moss portant les mêmes looks. C’est une exclusivité imprégnée de la nostalgie des générations précédentes, offrant aux jeunes passionnés de mode l’occasion de découvrir les versions originales des tendances qu’ils admirent aujourd’hui.
Le styliste Marc Eram note que l’intérêt croissant pour le vintage est devenu une tendance à part entière, exacerbée pendant la pandémie de Covid-19. « Passant beaucoup de temps sur les réseaux sociaux, nous avons été plus exposés à ces incroyables archives », explique-t-il. Les acheteurs peuvent désormais créer des alertes sur eBay pour des articles spécifiques comme « Prada 1999 » ou « Phoebe Philo Céline », ou laisser Alexis Novak gérer leurs recherches complexes. Ils le contactent alors directement par message à la recherche de pièces uniques. « Je peux trouver en ligne et commander la même chose que les célébrités », partage-t-il. « Maintenant, l’exclusivité est déterminée par ces pièces rares. »
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Et ce ne sont pas seulement les stars du tapis rouge qui cherchent à éviter les faux pas vestimentaires. Jamie Lenore McKillop, fondatrice de Lazy Jamie, voulait une robe de mariée unique. « Vous ressentez certainement cette peur », dit-elle à propos de porter une pièce déjà arborée par quelqu’un d’autre. Avec l’aide d’Alexis Novak, Jamie Lenore McKillop a opté pour une robe Maison Martin Margiela de l’automne 2006 comme pièce maîtresse pour son mariage.
Puiser dans les archives n’est pas simplement une question de rareté sur le tapis rouge ; c’est aussi devenu une forme de narration pour les stylistes. Un look peut être choisi pour son thème, comme l’armure Thierry Mugler de 1995 portée par Zendaya à la première de Dune 2 à Londres, ou pour l’histoire même de la pièce, comme la robe iconique de Marilyn Monroe portée par Kim Kardashian au MET Gala 2022. Reste qu’utiliser des pièces vintage uniques présente des défis, notamment la fragilité et les coûts d’entretien élevés. Alexis Novak collabore avec des tailleurs spécialisés dans la restauration, mais toutes les pièces ne peuvent être restaurées. Lors des Oscars en mars, Carey Mulligan a porté une réinterprétation moderne d’une robe Balenciaga de 1951 en hommage à son personnage dans Maestro, tandis que Lana Del Rey a de son côté revêtu une création personnalisée d’Alexander McQueen au gala du MET, faisant référence aux archives de la maison.
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Pour les collectionneurs et les amateurs de créateurs cherchant l’authenticité, Alexis Novak est une ressource inestimable. Actuellement, elle tente d’acquérir une robe blanche de John Galliano repérée sur Reddit, une pièce convoitée pour les mariées en raison de son association avec Kate Moss. S’il parvient à l’obtenir, la future mariée qui la portera s’inscrira elle-même dans l’histoire de la mode.
Les nouveaux visionnaires du luxe: de Moschino à Chloé
Cette saison, quatre directeurs artistiques ont fait leurs débuts, captivant l’attention avec leurs approches uniques.
Adrian Appiolaza chez Moschino
Adrian Appiolaza, designer argentin au parcours prestigieux incluant Louis Vuitton, Miu Miu, Loewe et Chloé, a pris les rênes de Moschino avec un clin d’œil à l’humour caractéristique de Franco Moschino. Pour sa première collection, il a introduit des pièces telles qu’un sac en forme de baguette de pain et une chemise ornée de bretelles, accompagnées de motifs audacieux en forme de points d’interrogation et de smileys.
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Chemena Kamali chez Chloé
Chemena Kamali, déjà familière de Chloé, a ramené le style boho à l’avant-plan avec des mousselines flottantes, des pantalons tendance des années 1970 et des ceintures délicates à logo. Son approche a séduit Sienna Miller, égérie bohème par excellence, présente au premier rang pour soutenir cette vision féminine et hippie de la maison.
Seán McGirr chez Alexander McQueen
Seán McGirr, originaire de Dublin et diplômé de Central Saint Martins, a apporté une esthétique sombre et élégante inspirée de l’East End de Londres pour sa première collection chez Alexander McQueen. Il a joué avec des collants, des pulls à col en entonnoir exagérés, et d’autres éléments qui ont rapidement captivé l’attention et sont devenus viraux.
Matteo Tamburini chez Tod’s
Né dans une famille de costumiers en Italie, Matteo Tamburini a une expertise dans la mode dramatique, influencée par ses expériences chez Pucci et Bottega Veneta. Pour son premier défilé chez Tod’s, il a célébré l’héritage de la maison avec le cuir, intégrant le matériau dans des tranchées, des jupes et des capes portées par des mannequins de renom comme Irina Shayk et Liu Wen.
La nouvelle reine de l’innovation: Farah Marafie
Farah Marafie réinvente le paysage de la mode avec An Ocean of Ideas (AOI), une maison de design multidisciplinaire qui se concentre sur l’artisanat et le luxe véritable, rejetant les normes commerciales traditionnelles. Alors que les grandes marques produisent des collections à un rythme effréné, la designer adopte une approche différente. Née à Londres de parents koweïtien et libanais, elle a développé une passion pour les arts avant de parfaire ses compétences à Parsons, à New York. Après des années passées dans des maisons prestigieuses comme Opening Ceremony et Oscar de la Renta, elle a décidé de rompre avec le cycle épuisant des collections saisonnières pour donner vie à AOI, un espace où ses idées peuvent s’épanouir librement.
AOI se distingue par ses « articles de collection, pas des collections », offrant des pièces exclusives dans des tirages limités. Farah Marafie rejette l’idée d’une mode totalement durable, mais sa méthode permet de minimiser le gaspillage et de préserver l’authenticité de chaque création. Des lunettes de soleil aux pardessus en passant par les pulls en cachemire, chaque produit est fruit d’une collaboration avec des artisans italiens et espagnols, garantissant une qualité artisanale incomparable.
La transparence est au cœur de l’approche d’AOI: leur site web détaille le processus de fabrication de chaque article, de la main-d’œuvre impliquée au temps consacré à chaque étape. Amanda Murray, consultante créative, témoigne de la minutie et de l’attention portée aux détails dans chaque pièce, comme son manteau en cuir patchwork, véritable chef-d’œuvre qui a nécessité près de six mois de travail méticuleux.
Dans un marché saturé où chaque influenceur se lance dans la mode, AOI se démarque par son engagement envers un luxe authentique et une production éthique. Farah Marafie, convaincue que le monde n’a pas besoin d’une autre marque de mode éphémère, cherche à créer un impact durable. « Comment faire en sorte que cela compte ? » interroge-t-elle, justifiant ainsi son engagement à repenser les normes de l’industrie.
La nouvelle pépite du chic: Daniella Kallmeyer
Dans les rues animées du Lower East Side de New York, Daniella Kallmeyer apporte une touche de Savile Row à la mode féminine contemporaine, défiant les conventions avec ses créations avant-gardistes.
Armée d’une expérience acquise chez Alexander McQueen à Londres et Proenza Schouler à New York, Daniella Kallmeyer a fondé sa marque éponyme en 2012, inspirée par les matriarches influentes qui l’ont élevée. Pour elle, le costume est plus qu’un simple vêtement ; c’est une expression de l’individualité et de la puissance féminine. Ses créations capturent l’esprit du tailleur traditionnel tout en intégrant une esthétique moderne et fluide. Ses vestes et pantalons, façonnés à partir des épaules et des hanches, sont devenus emblématiques pour leur coupe impeccable et leur allure décontractée. Des célébrités comme Katie Holmes et Sarita Choudhury ne jurent que par ses pièces, faisant du gilet Kallmeyer un incontournable du dressing urbain chic.
En tant qu’entreprise de prêt-à-porter complète, Daniella Kallmeyer est intentionnelle à chaque étape du processus de création. Ses collections, qui oscillent entre le contemporain et le luxe abordable, attirent une clientèle fidèle en raison de leur accessibilité et de leur qualité exceptionnelle. Chaque pièce, des chemises aux ceintures en passant par les t-shirts, est méticuleusement conçue et fabriquée à New York, près de sa boutique du Lower East Side.
Pour la designer, l’expansion ne signifie pas seulement une croissance rapide, mais la construction de racines profondes et durables dans l’industrie. Sa boutique est plus qu’un simple point de vente ; c’est un lieu où les clients peuvent interagir directement et participer à une expérience d’achat personnalisée. À travers ses présentations à la Fashion Week de New York, elle continue de captiver l’attention avec ses collections élégantes et fonctionnelles, prouvant que la qualité et le savoir-faire peuvent transformer une simple pièce de vêtement en une icône de la mode urbaine.
Auteurs: Veronique Hyland, Kevin LeBlanc, Aemilia Madden
Cet article a été traduit en français et adapté pour la Suisse après avoir initialement été publié sur elle.com. Retrouvez tous les autres articles de cette édition sur le site web officiel.
